Adri Furió
Escuela

VALID nace de la necesidad de crear nuevas formas de difusión que ayuden a sensibilizar y educar sobre la diversidad de género, ofreciendo una alternativa más cercana e inclusiva frente a publicaciones tradicionales. Este proyecto explora el libro-objeto como una herramienta que integra la experimentación y el juego para cuestionar las representaciones hegemónicas del género.

A lo largo del proceso, se reflexiona sobre este como constructo social y su evolución, así como sobre cómo se representa en el arte y el diseño. Además, se enfatiza la importancia de desarrollar contenidos accesibles y estrategias que logren conectar con un público amplio y diverso. La estética camp es un elemento central del proyecto, aportando un enfoque visual que desafía las normas establecidas y conecta con las identidades queer a través del humor, la ironía y la subversión.

Esta aproximación no solo enriquece la propuesta visual, sino que amplía el impacto social del proyecto, situando el diseño gráfico como una herramienta poderosa para abrir espacios de diálogo y reflexión. De esta manera, VALID se presenta como una propuesta innovadora y comprometida que utiliza el diseño para promover la inclusión, la empatía y el reconocimiento de las identidades trans, creando un espacio donde la experimentación formal y el contenido social se encuentran para generar cambio y conciencia.

Aina López
Escuela

Natura Naturans es un proyecto práctico que nace de la experimentación con técnicas de estampación tradicionales. Inicialmente, la investigación se centraba en la reinterpretación de estas técnicas, pero durante el proceso surgió un giro conceptual que modificó el enfoque. El interés ya no era obtener un resultado impreso fijo, sino observar cómo interactuaban y reaccionaban los materiales entre sí. A través de la experimentación se descubrió el marbling, una técnica que se basa en reacciones espontáneas e imprevisibles entre elementos líquidos, alejándose así de una matriz rígida y predeterminada.

Las imágenes generadas con marbling producen formas espontáneas que evocan estructuras propias de la naturaleza. Esta paradoja, en la que un gesto rápido genera formas que parecen resultado de procesos naturales lentos y acumulativos, se convierte en el núcleo conceptual del proyecto. De esta manera, el marbling pone en diálogo dos temporalidades opuestas: la acción instantánea de la creación artística y la lentitud con la que la naturaleza construye sus formas.

Natura Naturans propone una mirada en la que el tiempo rápido del marbling y el tiempo pausado de la naturaleza conviven a través del gesto y la imagen.

Àlex Huertas
Escuela

La identidad está profundamente condicionada por los contextos sociales y políticos en los que se inscribe. Lobby es un ensayo que recoge prácticas queer desde el situacionismo y el aceleracionismo con la intención de derribar marcos teóricos sobre las identidades en nuestra contemporaneidad. Desde este proyecto pretendo mostrar cómo el diseño es una herramienta democratizadora que puede facilitar la divulgación de herramientas para buscar una respuesta a problemáticas sociales que viven las personas queer.

Alex Martin
Escuela

Hace siete años terminé la ESO y me hicieron la temida pregunta: “¿Y ahora qué?”. No tenía ni idea. No sabía qué me gustaba ni qué opciones tenía. Sentía que debía decidir mi futuro sin herramientas, como montar un mueble sin instrucciones. Esa experiencia me marcó y, años después, se convirtió en el origen de Rumbo.

Rumbo es una plataforma digital que orienta a jóvenes que, como yo entonces, no tienen claro qué hacer tras la ESO o un ciclo formativo. Utiliza inteligencia artificial para ofrecer recomendaciones personalizadas según intereses, habilidades y preferencias individuales.

El diseño parte de una premisa: conectar con la situación que está viviendo el estudiante. Visualmente, Rumbo combina herramientas con un efecto blur que enfatiza la confusión típica del estudiante en esta etapa. La tipografía monoespaciada, dispuesta en bloques ligeramente desordenados, refuerza esta idea de un futuro que se está ensamblando pieza a pieza. Una identidad que refleja el caos del momento, pero también todo el potencial que hay en él.

Quise crear una herramienta útil y cercana. Sin condescendencia, sin hablar “desde arriba”. La experiencia está pensada como una conversación, no como un test. Rumbo no te dice qué hacer: te muestra caminos posibles para que elijas el tuyo con más claridad.

Este proyecto mezcla diseño gráfico, narrativa visual y estrategia de comunicación, con una campaña que no esconde el miedo a equivocarse, pero celebra el primer paso. Porque no tenerlo claro no es un fallo: es el comienzo de algo. Rumbo es una guía hecha desde la empatía, pensada para quienes aún no saben qué quieren hacer… pero están listos para empezar a buscarlo.

Ana Sala Garcia
Escuela

El proyecto surge de una necesidad urgente: acercar a la Generación Z información clara, accesible y veraz sobre los conflictos bélicos que marcan nuestro presente. En un entorno saturado de titulares sensacionalistas, noticias politizadas y bulos virales, los jóvenes se enfrentan a una realidad fragmentada y, muchas veces, distorsionada.

Se estima que cada minuto surgen miles de noticias falsas, las cuales se difunden hasta seis veces más rápido que la información veraz. Estas distorsionan la realidad, manipulan e influyen negativamente. Por ello, es crucial no solo identificarlas y combatirlas, sino también evitar su propagación y educar a otros sobre su falsedad, protegiendo así la integridad de la información.

Este proyecto responde a ese desafío con una propuesta visual e interactiva que conecta directamente con los hábitos digitales de los jóvenes. A través de un microsite, se presentan herramientas para comprender los conflictos de manera sencilla: un mapa dinámico que localiza los puntos calientes del mundo, líneas de tiempo que narran la evolución de los conflictos y un glosario vivo que transforma conceptos complejos en definiciones claras. La estética, sobria y contemporánea, facilita que el usuario comprenda la magnitud del contenido.
No se trata solo de informar: se trata de empoderar a una generación para que pueda reconocer la manipulación, tomar conciencia del impacto de la desinformación y convertirse en motor de cambio social.
Este proyecto es, en esencia, un puente: entre la realidad y su comprensión, entre la juventud y su poder transformador.

Andrea Graells
Escuela

Este proyecto conceptual y experimental aborda ocho miedos contemporáneos desde una mirada simbólica, poética y onírica, alejándose de las narrativas tradicionales del terror.

Se divide en dos partes complementarias: una publicación editorial en formato físico y un sitio web interactivo. Ambas piezas funcionan como espejos narrativos, invitando a recorrer cada miedo a través de una serie de sueños fragmentados, donde el miedo toma la voz y comparte un mismo espacio con el humano.

Cada capítulo parte de un símbolo natural —por ejemplo, las raíces, el agua, el lodo o la niebla— que actúan como extensión del miedo. La figura humana está ausente; son los entornos los que construyen el relato.

Visualmente, el proyecto utiliza el píxel como unidad mínima e inestable. Su capacidad de parpadear, disolverse o descomponerse traduce gráficamente los saltos abruptos y la lógica discontinua de los sueños, donde el tiempo y el espacio se pliegan y la memoria se vuelve brumosa.

Así, el píxel se convierte en una metáfora visual de la percepción onírica y de la fragilidad del recuerdo.

Andrea Muñoz Rubio
Escuela

Crear una marca de cosmética sostenible genderless que refleje la identidad volcánica de La Palma y su capacidad de renacer tras la adversidad. Dirigida a un público que valora la autenticidad, la sostenibilidad y la artesanía.

Buscamos estética y funcionalidad con un concepto central: «Renacer». El Packaging evoca la geología de La Palma a través de formas piramidales. Cada detalle, refuerza la esencia volcánica de la marca.

Promueve la economía local y la conservación del ecosistema destinando el 5% de sus ventas a la regeneración medioambiental de La Palma.

Vidrio soplado artesanalmente, pigmentos minerales naturales y envases reciclables. Producción local, minimizando la huella de carbono y apoyando a la comunidad de artesanos. Formulación limpia, sin parabenos ni microplásticos.

Anna Contreras
Escuela

Re-cordis es un proyecto editorial que a través de una pieza-legado, pretende rendir homenaje, a modo de oda, al recuerdo y esencia de mi abuela. La inquietud de realizar este proyecto surge a raíz de querer capturar la identidad y vínculo abuela-nieta antes de que ella ya no esté; convirtiendo mi experiencia personal en una experiencia que puede ser general. El libro recoge los recuerdos y esencia de mi abuela, por una parte, y el vínculo único que mantengo con ella por otra, ya que la considero como una segunda madre; recopilando y generando un contenido propio para contar nuestra historia, en la que el concepto “olvido” tiene un papel protagonista, debido a la enfermedad neurodegenerativa que padece mi abuela.

Berta Casas Pol
Escuela

Este proyecto parte de la voluntad de desmontar los mitos y expectativas idealizadas que rodean el amor romántico y que a menudo generan frustración, dependencia y malentendidos. Estos relatos, muy presentes en los medios de comunicación y en la cultura popular, condicionan sobre todo al público joven y dificultan una visión más realista y saludable de las relaciones.
Para dar respuesta, se propone una experiencia inmersiva e interactiva que guía a los visitantes a través de las principales etapas del amor —atracción, enamoramiento, vínculo y estabilización— desde una perspectiva científica y comprensible. El proyecto busca ofrecer una vivencia personal que, al mismo tiempo, invite a la reflexión crítica y proporcione herramientas para vivir las relaciones de manera más consciente y empática.
Así, la propuesta combina divulgación científica y diseño gráfico para transformar la manera en que entendemos el amor, alejándolo de visiones idealizadas y acercándolo a una comprensión más real e inclusiva.

Carla Salcedo
Escuela

Narcisa es un proyecto que plantea una reflexión crítica sobre la sociedad narcisista en la que vivimos y sobre la preocupación contemporánea por la imagen como forma de validación y construcción del yo. Este proyecto nace de una inquietud personal, ya que siempre me he visto envuelta en dinámicas en las que me obsesiono conmigo misma, me observo, me estudio, me corrijo, me pregunto cómo me ven los demás, etc.; en general, podría confesarme como una narcisista.

A través de una metodología teórica, performativa y visual, el proyecto muestra cómo el narcisismo ya no puede entenderse solo como un trastorno o un rasgo personal, sino como una estructura que atraviesa nuestra forma de estar en el mundo.

Christopher Lasch, en los años 70, definió el narcisismo cultural como un fenómeno profundamente ligado al desarrollo del capitalismo tardío. Según él, a medida que el sistema económico fragmentaba las estructuras tradicionales como la familia, el Estado o la Iglesia, el individuo solo veía consuelo en sí mismo. En este contexto, el narcisismo no era un exceso de amor propio, sino una estrategia de supervivencia emocional frente a un entorno cada vez más competitivo, hostil y orientado al consumo.

Por su parte, Boris Groys, en 2009, actualiza esta lectura al situar el deseo narcisista en la era de las redes sociales: el yo ya no se define por lo que es, sino por cómo se muestra. El objetivo no es tanto conocerse a una misma, sino controlar la percepción que los demás tienen de nosotras. El narcisismo, entonces, no es introspección: es gestión estética. Una búsqueda constante de una imagen propia.

Pero esta imagen ya no es natural o espontánea, sino que está editada, corregida, modificada, deformada y performada. Y es este deseo narcisista y la imagen preformada lo que da forma a mi proyecto.

Así nace la metodología de mi proyecto; así nacen Las Carlas, un experimento escénico y corporal en el que construyo un doble de mí misma: otra Carla que me permite editarme, corregirme, modificarme, deformarme y performarme.

Toda esta experimentación corporal, teatral y conceptual se traslada al formato gráfico mediante una pieza editorial titulada Narcisa, como el nombre del proyecto. Narcisa es un ensayo performativo que combina fotonovela y guion teatral. La fotonovela, construida desde una estética cinematográfica y teatral, refleja la obsesión por la imagen ideal y preparada. El guion, por su parte, funciona como herramienta escénica: se escribe, se ensaya y solo cobra sentido frente a una mirada externa.

Este guion cuenta la historia de dos personajes, casualmente llamados Carla, que narran y encarnan los mecanismos del narcisismo contemporáneo y cómo este se instala en
nuestras mentes, obligándonos a una búsqueda constante de mejora personal, cosa que nos lleva al delirio.
Es en ese delirio donde aparece la paradoja entre lo real y lo representado, y de donde surgen todas las preguntas que acompañan al proyecto: ¿Me pueden reemplazar? ¿Qué tan fácil es ser otra persona? ¿Qué tan fácil es ser yo?

Carmina Goran
Escuela

‘SUTURA’ responde al encargo inicial “mapless places” proponiendo una cartografía del inconsciente. Utiliza tecnología EEG para captar la actividad cerebral y mapear paisajes internos (emociones, traumas y memorias ancestrales) a través de un algoritmo que vincula combinaciones de ondas cerebrales con símbolos folclóricos, referidos en el proyecto como “La mnemónica de una identidad marcada por cicatrices”.

En el centro se encuentra una figura a escala real que recibe proyecciones en evolución según el estado mental del espectador, visualizando cicatrices internas y mostrando cómo la identidad se ve moldeada por fuerzas externas.

El proyecto también incluye una estructura de aluminio elegida por su naturaleza reflectante y fría, que se convierte en una metáfora del rechazo a la tradición.

Paralelamente, una memoria despliega la historia en niveles personales, simbólicos y de investigación, con una portada creada a partir del mismo metal.

La instalación se convierte en un mapa del colapso y la reconstrucción mental.

Esto es SUTURA: un inconsciente colectivo.

Davide Molinari
Escuela

The Gift of Obsession es un proyecto digital y editorial que explora cómo las obsesiones personales pueden dar forma a un lenguaje visual único y a una identidad creativa.
Nace de una reflexión íntima sobre cómo los estímulos visuales influyen en nuestras emociones, decisiones y fijaciones internas, y plantea la obsesión no como una carga, sino como una fuerza creativa.
En el núcleo del proyecto se encuentra una experiencia interactiva donde el usuario responde a una serie de preguntas emocionales y formales. Estas respuestas se interpretan mediante un sistema visual que genera composiciones animadas personalizadas, transformando impulsos internos en forma, ritmo y movimiento, y dando lugar a retratos visuales abstractos de las propias obsesiones.

El proyecto se materializa en una identidad visual, la generación desde cero de todos los visuales incorporados en la experiencia, una plataforma digital interactiva, pósters impresos y digitales, y un libro físico que documenta la investigación, el proceso y el sistema.
Al combinar diseño generativo, motion graphics, motion design y narrativa editorial, The Gift of Obsession propone una nueva forma de mirar la mente obsesiva: no como algo que reprimir, sino como una herramienta para explorar, crear y construir lenguaje visual.

Gemma Cano
Escuela

Este proyecto comienza con una pregunta aparentemente sencilla: ¿quién era Manolita Daza y Castellà? El viaje para encontrar la respuesta ha sido un proceso de descubrimiento constante, lleno de pequeñas historias que, al fin y al cabo, son las que terminan conformando una vida.

A través de conversaciones, recuerdos familiares, fotografías y silencios, este trabajo reconstruye la memoria de una mujer y, al mismo tiempo, de una época concreta. El hilo conductor de esta historia son las medias: el objeto alrededor del cual giró gran parte de su vida profesional. Las medias se convierten, así, en una metáfora del paso del tiempo, de la fragilidad, pero también de la persistencia.

El libro cuenta su historia en primera persona, entrelazándola con acontecimientos históricos que marcaron a Manolita a lo largo del siglo XX. Este proyecto es una manera de no olvidar: de estirar los hilos que nos conectan con las generaciones anteriores y hacerlos visibles. Porque incluso las vidas más humildes están llenas de historias que vale la pena contar.

El proyecto se completa con una web interactiva que invita a descubrir, explorar y conectar con tu propio pasado.

Helena García
Escuela

Este proyecto parte del planteamiento de que el error provocado puede convertirse en una herramienta comunicativa y creativa dentro del diseño gráfico. En un contexto marcado por la perfección, la funcionalidad y la uniformidad visual, se propone una exploración que reivindica el error intencionado como un mecanismo de ruptura, expresión y generación de significado.

La metodologia del proyecto se basa en la redacción de un manifiesto de diez puntos, cada uno de los cuales ha sido deconstruido visualmente mediante recursos gráficos manuales y digitales. Estas interpretaciones se han materializado en una publicación principal y una pieza complementaria que documenta el proceso manual a través de escaneos.

Los resultados evidencian que el uso consciente del error intencionado puede generar piezas únicas e irrepetibles, con un fuerte componente identitario. Lejos de ser un fallo, el error se convierte en una alternativa expresiva capaz de abrir nuevos caminos en la narrativa visual.

Inés Asens de Ramón
Escuela

Gible es una experiencia interactiva que transforma sentimientos abstractos e intangibles en experiencias visuales. Traduce todos aquellos conceptos intangibles a una representación tangible. A través de una interfaz digital, los usuarios responden cuatro preguntas clave que determinan como te sientes en el momento. En función de sus respuestas, Gible genera un cartel único que representa su estado emocional.
El círculo, es la forma central del sistema visual, se transforma en color, tamaño, rotación, cantidad y movimiento para expresar lo invisible. Más que una herramienta, Gible es un lenguaje que da forma a lo que a veces no sabemos cómo decir, haciendo visibles nuestras emociones.

Irma Binoux
Escuela

KILLHER es una exposición interactiva que explora la relación entre el cine de terror y los roles de género desde un punto de vista feminista, invitando a los visitantes a cuestionar estereotipos y la realidad de la industria cinematográfica actual.

¿Alguna vez te has parado a pensar en el impacto social que tiene el contenido que consumimos? ¿Qué repercusiones puede llegar a tener la representación de la mujer en el cine de terror? Estas son algunas de las preguntas que KILLHER pone sobre la mesa, invitando a una reflexión entre clichés, sangre y género.

Mediante el diseño se exponen datos con infografías que mezclan lo digital con lo físico, aportando una nueva dimensión a estas cifras para ir más allá de los números e impactar al visitante. El enfoque multimedia de la exposición propone un recorrido de piezas interactivas, experiencias sensoriales y colaborativas diseñadas exclusivamente para la ocasión.

Jaime Arjona
Escuela

Este proyecto trata del diseño de una pieza editorial de estética caótica dirigida a pacientes con TOC. Está inspirada en los manuales de uso y ha sido impulsada por el estudio de diseño Caos. Primeramente, se ha escrito un libro llamado Ansiedad, vete a la merda*, un proyecto editorial y gráfico que nace de mi experiencia personal con la salud mental y, sobre todo, con la ansiedad.

Todo el universo gráfico gira en torno al concepto de caos, que es también el nombre de la marca que lanza el proyecto. El diseño implementado no es solo estético, sino también funcional, e incorpora rayajos, letras de distintos tamaños, manchas de boli y una composición desordenada que genera un efecto catártico en la mente del lector. Este efecto ocurre cuando determinados gráficos expresan una emoción y la persona que los visualiza consigue regular sus emociones por medio de la empatía y la homeostasis emocional.

Se han desarrollado piezas que acompañan a la pieza editorial, como carteles promocionales del libro y un evento en el que asistirán profesionales de la salud mental para resolver las dudas que surjan acerca de los problemas de ansiedad. Por otro lado, se han diseñado unos marcapáginas que siguen el hilo gráfico del libro.

Jaime Rose de Candole
Escuela

What the Trees Told Me es un experimento de ocho semanas que explora la relación entre el bienestar humano y la salud ambiental. El proyecto plantea la pregunta: ¿el bienestar emocional y fisiológico refleja la salud del entorno en el que nos sumergimos?

La diseñadora llevó a cabo una rutina autoguiada en dos contextos contrastados: cuatro semanas desconectada en un bosque remoto, seguidas de cuatro semanas en un centro urbano. Las actividades diarias basadas en la naturaleza (como caminar descalza, el forest bathing y la terapia hortícola) se repitieron en ambos escenarios. Cada actividad fue seleccionada por su impacto documentado en la salud humana, formando la estructura para una recogida de datos consistente.

The Forest of Fabric visualiza las fluctuaciones tanto de los datos biométricos como de los ambientales. En lugar de presentarlos de forma estática, la instalación invita a recorrerlos; a sentir el ritmo, la variación y la repetición del experimento.

Jaume Álvarez + Iris Garcia
Escuela

Su APP es un simulador de misiones espaciales diseñado para que cualquier persona pueda experimentar lo que supone viajar y trabajar en el espacio. Combina ciencia, estrategia y aventura para ofrecer una experiencia interactiva y educativa, permitiendo sentirse como un auténtico astronauta o planificador de misiones.

Judit Pulido
Escuela

Dèries i Deliris es un proyecto editorial que explora la fascinación y la obsesión en el arte y el diseño. El primer número gira en torno a los puntos y los círculos: formas aparentemente simples, pero cargadas de significado.

Desde los orígenes rituales hasta las exploraciones digitales, viajamos por su historia, rastreamos artistas que han hecho bandera y nos preguntamos por qué esta mínima unidad nos atrapa tanto.

Un punto es el inicio y el final. El gesto más esencial, la semilla de toda forma. Pero también puede ser un universo entero: pleno de posibilidades, de significados y de tensiones visuales.
En su silencio aparente, el punto grita, marca una pausa, impacta.

Dèries i Deliris, porque todos compartimos este impulso que nos empuja a crear, a buscar, a ir más allá.

Lisa Ulrich
Escuela

Arko es una tipografía geométrica sans-serif nacida de la coexistencia entre la humanidad y la tecnología. Inspirada por el desapercibido pero exponencial avance de la Inteligencia Artificial, plantea una crítica a la creciente y preocupante fusión entre el ser humano y el robot.

Esta dualidad se refleja en el diseño de Arko: sus curvas evocan humanidad y emoción, mientras que sus vértices imponen una lógica y racionalidad propias de una máquina.

Humana y artificial a la vez, Arko se presenta como una declaración firme sobre la sociedad actual. Está diseñada para quienes reconocen la importancia de la evolución de la IA, abriendo la puerta al debate y, quizás, al cambio.

Ideal para proyectos digitales, Arko transita la delgada línea entre la suavidad humana y la precisión robótica.

Lorenzo Nani
Escuela

MyShelf es una plataforma en línea que proporciona el lienzo para crear espacios digitales únicos llenos de objetos auténticos.
Los usuarios diseñan su huella digital creando estanterías personalizadas que combinan elementos físicos y contenido digital.
La plataforma ofrece un ámbito personal para organizar artefactos genuinos y permite explorar las colecciones auténticas de otros usuarios.

Marta Florido
Escuela

El jabón es un elemento efímero que combina función, tacto y aroma. Es bonito pensar que un objeto tan esencial para nuestra higiene y salud también puede ofrecernos calma y bienestar a través de sus fragancias, e incluso tener un valor decorativo que transforma lo cotidiano en toda una experiencia.

Es por eso que he decidido centrar mi Trabajo Final de Grado en el jabón y explorar qué impacto tiene dentro del mundo del packaging. El proyecto parte de la voluntad de investigar cómo el diseño puede revalorizar este objeto efímero, cuidando tanto su forma como la manera en que se presenta y comunica. Me interesa analizar cómo se pueden generar experiencias a través de su envoltorio y cómo el diseño puede contribuir a hacerlo más sostenible, atractivo y funcional.

Partiendo del jabón sólido como base —una alternativa más sostenible en comparación con el jabón líquido, que requiere mucha más agua en su producción y suele venir envasado en plástico— me he centrado en conocer sus orígenes y detectar si su usabilidad puede presentar inconvenientes. Este proceso me ha permitido entender mejor el contexto y las necesidades reales que rodean a este objeto, y ha sido clave para fundamentar las decisiones de diseño que he ido tomando a lo largo del proyecto.

La problemática que abordo en este trabajo es la de proponer un nuevo formato de jabón sólido que resuelva las desventajas de las pastillas tradicionales, así como encontrar una manera de dispensarlo que sea sostenible, fácil de usar y que promueva hábitos más responsables.

El reto ha sido encontrar un equilibrio entre funcionalidad, estética y conciencia ecológica, entendiendo el diseño no solo como una solución formal, sino como una herramienta de comunicación y transformación.

Martina Morató Planell
Escuela

CanTothom es una aplicación diseñada para facilitar la integración cultural, social y laboral de las personas inmigrantes en Cataluña. Su objetivo es tender puentes entre comunidades migradas y autóctonas, fomentando la conexión y la colaboración mutua mediante un diseño accesible y basado en la cultura cooperativa. La app centraliza información clave y herramientas prácticas que ayudan a las personas recién llegadas a instalarse y prosperar, así como actividades comunitarias y multiculturales que impulsan el intercambio y la convivencia. Su sistema visual, modular y adaptable, ofrece una experiencia clara, inclusiva y atractiva para todo tipo de usuarios, con la diversidad cultural como eje central del proyecto.

Pol Bosacoma Puig
Escuela

El sistema económico lineal de usar y tirar, impulsado por el capitalismo, provoca graves impactos ambientales y una pérdida masiva de recursos. Este proyecto se centra en los residuos generados por la industria automovilística, una de las más contaminantes del mundo, y su papel en la aceleración del cambio climático.

El principal objetivo es explorar el potencial creativo del reciclaje y la reutilización de estos residuos en proyectos de diseño. La intención es inspirar y proporcionar herramientas a diseñadores, creativos y formadores comprometidos con el medio ambiente para que incorporen estos materiales a su metodología de trabajo.

El resultado es un proyecto editorial en formato manual con una estética industrial directamente ligada al sector automovilístico. Ésta recoge e incluye información sobre los diferentes materiales y componentes de un vehículo, así como la materialización de cuatro proyectos representativos de las especialidades del diseño —gráfico, moda, interiores y producto— para ejemplificar las posibilidades de reutilización de los residuos automotrices. Además, el mismo manual se convierte en parte del proyecto gráfico, ya que se confecciona con materiales reciclados procedentes de la misma industria, y que son fruto de la experimentación.

Los materiales se pueden observar tanto en la cubierta como en la contracubierta del archivador, donde se han reciclado residuos plásticos procedentes de vehículos al final de su vida útil, utilizándolos como carga en una base de resina epoxi. El lomo, por su parte, también ha sido elaborado con cuero sintético recuperado de un asiento de coche aportando estabilidad y coherencia al conjunto.

En el interior del archivador se han integrado varios elementos elaborados a partir de residuos de la automoción. Por ejemplo, se ha utilizado aceite de motor usado como tinta de serigrafía para imprimir los portaditos de los distintos apartados. Además, se ha aplicado la técnica de estampación de relieve para capturar y reproducir las texturas propias de estos materiales residuales, aportando un valor visual y tangible al proyecto.

El archivador se presenta en A4 horizontal. Se han aplicado dos técnicas de impresión tradicionales, serigrafía en la portada y linografía en la contraportada. El cuerpo del manual combina hojas de papel reciclado con papel vegetal e incluye inserciones de papel Verdegris. Siguiendo criterios de producción sostenibles, también se ha optado por una impresión eficiente, minimizando el uso de tinta evitando recursos innecesarios. Además, se ha diseñado una retícula sin marcas de corte ni sangre para reducir mermas y optimizar el rendimiento del material durante el proceso de producción.

Roger Llaurado
Escuela

Este proyecto surge de un vínculo personal y creativo con la artista noruega Vilde Von Krogh y se materializa en dos plataformas paralelas pero complementarias: un libro de carácter íntimo y poético, y una plataforma digital editorial con proyección internacional. Ambas partes se articulan en torno a la práctica artística de Von Krogh y tienen como objetivo estructurar, preservar y difundir su imaginario visual y conceptual.

El libro, concebido como una pieza editorial publicable con dos versiones de portada, es el resultado de una investigación y documentación desarrollada durante una estancia en el estudio de la artista en Oslo. A partir de escaneos, entrevistas, audios, fotografías y una acción performativa, se construye un relato que explora los ejes fundamentales de su obra: el objeto como materia prima, lo abyecto como motor creativo y el sujeto como entidad performativa y colectiva. El libro no solo recoge su obra, sino que también propone una lectura transversal y fragmentada de su trayectoria artística, donde espectadores y colaboradores toman parte activa y donde se revelan sinergias artísticas entre Oslo y El Bruc de Montserrat.

Los conceptos de tridimensionalidad, caos y diacronía han sido clave en el desarrollo formal y conceptual del libro. La tridimensionalidad se refleja en el uso de papeles especiales como el vegetal y el sulfurizado, así como en un desplegable en la portada que anticipa la complejidad espacial de su obra. El caos se traduce en un diseño dinámico e imprevisible que rompe con las convenciones de jerarquía y simetría. La diacronía, por su parte, conecta pasado y presente, mostrando una visión fragmentada y no lineal de cómo la artista retorna constantemente a los mismos símbolos, materiales y gestos.

La segunda parte del proyecto es una plataforma digital como propuesta de renovación del actual espacio web. Aunque no se presenta en su totalidad, ha sido conceptualizada como un espacio editorial vivo, un archivo flexible. A diferencia del libro —más íntimo y contemplativo—, esta plataforma digital editorial busca dar visibilidad a la obra de Von Krogh ante un público más amplio, facilitando su circulación internacional y generando una estructura clara para futuras colaboraciones, residencias y exposiciones. Más allá de catalogar y mostrar la obra de la artista, el enfoque editorial pone énfasis en el copy y en una experiencia interactiva que transmite el carácter espontáneo y alegre de la artista.

Sehila Soriano Ortega
Escuela

Herencia en Blanco es un proyecto de investigación a través del diseño que plantea una reflexión crítica sobre el modelo de familia patriarcal y su influencia en la construcción de la identidad.

Esta reflexión parte de un texto autobiográfico, desde el cual se identifica una sensación de insuficiencia como resultado de la presión familiar y cultural impuesta por estructuras patriarcales. A su vez, el texto autobiográfico da origen al ensayo teórico Herencia en Blanco. Reconstrucción de la mujer mediante la ruptura con la familia patriarcal, que cuestiona los patrones heredados en las relaciones familiares y analiza cómo la familia, siendo la célula básica de la sociedad, puede también ser una estructura disfuncional que limita el desarrollo personal.

Sin embargo, el objetivo del proyecto no es resolver esta cuestión, sino visibilizarla y generar nuevas preguntas sobre el sistema familiar hegemónico. Para ello se llevó a cabo una investigación que incluye entrevistas, como la realizada a la terapeuta gestáltica Raquel Ruiz, y un cuestionario anónimo que obtuvo 151 respuestas. Estos datos evidencian que, aunque el modelo de familia nuclear es percibido como satisfactorio, sigue condicionando la autoestima y la toma de decisiones de las personas.

Surge entonces la analogía entre célula y familia; ambas como estructuras que nacen, cumplen su función y se regeneran. Es en estas tres fases donde nacen los tres ejes narrativos del proyecto: el núcleo, la desvinculación y la regeneración.

A través de metodologías participativas como juegos colaborativos, recopilación de testimonios anónimos, observación de ciclos naturales y una colaboración con otra estudiante, se genera el contenido del proyecto. Se trata, por tanto, de un proceso colectivo que evidencia la posibilidad de una red alternativa a la familia.

El resultado se materializa en una instalación física: una estructura de madera que representa la familia. Esta se divide en tres capítulos visuales que corresponden a las tres fases de vida de una célula (siguiendo con la analogía anterior).

El primero reflexiona sobre la rigidez familiar a través de un árbol genealógico reinterpretado como sistema limitante. El segundo expresa la desvinculación y la herencia emocional mediante una composición gráfica que contrasta pérdida y crecimiento. El tercero plantea la reconstrucción de vínculos más libres a través de una escalera visual que representa la transición hacia una identidad personal renovada.

Además, se diseñaron materiales complementarios como un catálogo encuadernado a mano, un flyer informativo y un perfil de Instagram (@herencia.en.blanco) que amplía el proyecto a un entorno digital, incluyendo descripciones, música y un vídeo promocional.

El proyecto es un espacio que utiliza el diseño como herramienta para explorar narrativas íntimas, sociales y políticas, creando un lugar de reflexión crítica en torno a los vínculos afectivos y la posibilidad de reconstruir el concepto de familia desde un lugar más libre y consciente, partiendo de la nada, teniendo una herencia en blanco.

Yishi Yu Ye
Escuela

Tributos en llamas es un proyecto editorial y artístico que celebra la conexión con los difuntos, inspirado en el ritual funerario chino del shāozhǐ (烧纸) o Festival Fantasma, que consiste en la quema de objetos de papel como ofrenda simbólica para el más allá. Lejos de una visión trágica o comercial de la muerte, este proyecto busca recuperar el gesto ritual como un acto de cuidado, memoria y resistencia.

Frente al vaciamiento simbólico provocado por el capitalismo —donde tanto libros como ofrendas rituales se convierten en productos descontextualizados y de consumo rápido—, Tributos en llamas propone una pieza editorial que no solo informa, sino que da herramientas para actuar, para hacer, para encender. Es un libro que se lee, se recorta, se transforma y se quema. Hoy en día, estos objetos funerarios de papel se venden a precios excesivos en plataformas como Amazon, ofrecidos por personas ajenas al ritual. Se pierde el contexto, se pierde el gesto. Lo mismo ocurre con los libros: se compran con un clic, sin tocarlos ni pensarlos. Como dice Byung-Chul Han: “El consumo destruye lo simbólico. En lugar del gesto, lo inmediato.” Mi proyecto busca recuperar ese gesto que el consumo borra.

A través de la pregunta —¿qué le enviarías a alguien que ya no está?— el proyecto plantea también una crítica urgente: ¿por qué estos objetos, que antes eran sencillos y afectivos, se han vuelto caros y sin sentido? Como advierte Baudrillard, vivimos en un sistema donde las copias valen más que lo original, y los gestos se vacían de signifi cado. Lo que antes era un acto de cuidado se convierte en mercancía.

Tributos en llamas propone otra cosa: una editorial que se toca, se habita, se transforma. Un libro que contiene plantillas de objetos rituales listos para cortar, montar y quemar. Un ritual hecho de papel.

Como recuerda Halbwachs, la memoria no es solo individual, sino colectiva. Y los objetos no solo ayudan a recordar: a veces, son el recuerdo mismo. Blake lo resume con claridad: la espiritualidad no se compra, se fabrica. Y Borges escribió: “Los objetos nos sobreviven, absorben nuestras memorias y permanecen cuando ya no estamos.” Yo añadiría: a veces, esa memoria necesita papel, fuego y una llama encendida.

Este libro es eso: una invitación a recordar. A diseñar tu propio ritual. A pensar la muerte como un vínculo que sigue.