Helena Fuentes

Este proyecto partió de una idea sencilla: la necesidad de creer, pertenecer y encontrar sentido constituye una constante en la experiencia humana. A lo largo de la historia, esto ha dado lugar a distintos sistemas de creencias que han permitido hacer frente a la temida incertidumbre. En la actualidad, estas dinámicas no desaparecen, sino que se reconfiguran en torno a la cultura pop digital y el consumo cultural. Marcas, artistas, contenido, productos, música… Nos aferramos al acto de consumir para sentir que somos parte de algo.

La investigación se centró en la observación y análisis de comportamientos, referencias compartidas y dinámicas presentes en la Generación Z, explorando cómo celebridades, tendencias, objetos y comunidades digitales adquieren una relevancia que trasciende el entretenimiento para convertirse en espacios de identificación, pertenencia y construcción de sentido. Desde esta perspectiva, el proyecto propuso una reflexión crítica sobre la relación entre consumo e identidad.

Como resultado, se desarrolló un kit compuesto por un libro sagrado, un misal de bolsillo, una colección de estampas y una web interactiva, cuatro piezas que establecen un paralelismo con las estructuras presentes en los sistemas religiosos tradicionales y las reinterpretan desde códigos propios de la cultura contemporánea. A través de la ironía, el humor generacional y la participación del usuario, el proyecto hizo perdurables y experimentables las formas de fe contemporáneas que, por su naturaleza digital, suelen ser efímeras y cambiantes.

Olivia Duffin

En una disciplina cada vez más condicionada por herramientas digitales e inteligencia artificial, el diseño tipográfico corre el riesgo de desvincularse de la presencia humana. The Office of Liminal Irregularities desplaza la atención hacia el proceso, planteando la intervención manual como una forma de preservar esa presencia dentro de la práctica tipográfica. A través de cuatro tipografías y un espécimen interactivo, O.L.I. articula una práctica donde proceso y resultado dejan de entenderse como instancias separadas, donde incluso lo más mecánico cede ante el contacto humano.

Irina Kavtaradze

QUERENCIA explora com la identitat i el sentiment de pertinença estan emmotllats per la llar, la memòria i el trauma transgeneracional, i com aquestes forces poden fer-se visibles i comunicar-se a través del disseny. El projecte aborda la desconnexió que moltes persones senten entre els seus orígens i les seves identitats, enmig del desplaçament, la hibridació cultural i els patrons familiars heretats però no dits —una perspectiva aprofundida per l’experiència de l’autora en marxar de Geòrgia enmig de la turbulència política, quan la llar va passar de la estabilitat a la inestabilitat, forçant la identitat a reorganitzar-se.

QUERENCIA, una iniciativa hereditària, tradueix aquesta identitat intangible i heretada en un sistema visual generatiu i de rastreig per ajudar a navegar el caos extern, construït a partir de dades recollides mitjançant un qüestionari dissenyat acuradament, permetent l’autodescoberta i una comunicació intergeneracional més clara. Més enllà de l’eina digital, el resultat final és una catifa de feltre personalitzada —un paisatge intern únic per a cada persona o família, que connecta la tecnologia amb l’artesania i que es transmet com a quelcom tangible per a les generacions vinents.

David Márquez

¿Qué normas debe cumplir un cuerpo negro para ser aceptado por la sociedad blanca?

El Manual del Buen Negro es un manual satírico de 204 páginas que expone todas esas reglas no escritas que las personas negras se ven obligadas a seguir para sobrevivir en un entorno donde, por el simple hecho de existir, están en el punto de mira.

Cómo mover las manos, cómo responder a preguntas absurdas, cómo sentarse, para qué sonreír… A través de la sátira visual y lo absurdo se evidencia cómo el cuerpo negro se ve forzado a camuflarse y moldearse para una sola cosa: no ser percibido como una amenaza.
Pero el proyecto no termina en el manual. Se expande mediante una campaña de publicidad satírica que exagera y pone en evidencia algunos de los comentarios y «cumplidos» que las personas negras recibimos simplemente por ser negras.
Frases aparentemente inofensivas que, vistas desde el absurdo, revelan los prejuicios y estereotipos que siguen profundamente normalizados.

¡Bienvenidos al manual de supervivencia que desearíamos no tener que escribir!

Joel Tió Buján

Per què sovint busquem allò que passa lluny de casa mentre desconeixem gran part del que tenim a tocar? Aquesta és la pregunta que dona origen a Quècardes, una publicació editorial híbrida, entre revista lifestyle i guia urbana, que neix amb la voluntat de replantejar la manera com es descobreixen i es viuen les ciutats mitjanes.

El projecte parteix de la detecció d’un desajust entre l’oferta real de la ciutat de Vic i la percepció que en té la ciutadania, especialment el públic jove. La recerca demostra que la problemàtica no rau en una manca d’activitat cultural, gastronòmica o comercial, sinó en la manera com aquesta es comunica i es fa visible. Davant d’aquest context, Quècardesproposa una alternativa als models institucionals tradicionals: explicar la ciutat des de la mirada de les persones que l’habiten.

Més que una guia convencional, la publicació es planteja com un exercici de curadoria editorial. Restaurants, comerços, espais culturals, fires, mercats, entrevistes i recorreguts urbans es combinen per construir un relat contemporani que convida a redescobrir Vic des de la proximitat, l’experiència i la identitat local. L’objectiu no és recopilar tota la informació possible, sinó seleccionar-la amb criteri per generar una experiència de lectura inspiradora i significativa.

El disseny gràfic esdevé l’eina principal de construcció d’aquest relat. Tant el sistema editorial com les decisions materials reforcen el concepte del projecte: una identitat visual pròpia, una direcció d’art coherent i una estructura editorial flexible conviuen amb una enquadernació artesanal amb cordill inspirada en la llonganissa de Vic i un embolcall de paper de carnisseria que connecta simbòlicament la publicació amb el territori. D’aquesta manera, el suport físic deixa de ser un simple contenidor d’informació per convertir-se en una part essencial de l’experiència.

Quècardes defensa que el disseny editorial pot anar més enllà de la funció informativa. Pot construir identitat, generar connexió emocional amb un territori i transformar la manera com les persones el perceben. Tot i estar arrelat a la ciutat de Vic, el projecte planteja un model editorial escalable, capaç d’adaptar-se a altres municipis mantenint la mateixa premissa: explicar cada territori des de dins, a través de les persones, els espais i les experiències que li donen sentit.

Izan García

Aquest projecte neix de la necessitat de replantejar els sistemes gràfics utilitzats en festivals, caracteritzats per un ús intensiu de materials visuals de curta durada que es converteixen ràpidament en residus. L’objectiu principal és generar una gráfica a partir dels biomaterials com a
alternativa sostenible per desenvolupar suports visuals reactius i efímers.

La recerca es basa en un procés d’experimentació material amb diferents formulacions de bioplàstic per analitzar-ne les propietats físiques i visuals, com la flexibilitat, la transparència o el comportament amb pigments. A partir d’aquesta investigació, es desenvolupa un sistema gràfic,
utilitzant làmines de bioplàstic com a suport per a diferents aplicacions gràfiques.

La proposta planteja una nova manera d’entendre la producció gràfica per a esdeveniments culturals, integrant el comportament del material dins del llenguatge visual del projecte i proposant suports biodegradables que redueixen l’impacte ambiental de la comunicació efímera.

Carlota Esteruelas

Una conversación sobre quiénes somos y el análisis de cómo la literatura nos ha construido en lo que significa ser personas. Un proyecto que se divide en tres fases; un diálogo, una llamada telefónica y, por último, una publicación.

A través de este diálogo, en el primer número del fanzine, se exploran las distintas fases de la vida de una mujer y se analiza cómo se inserta la culpa femenina como mecanismo de control. De forma colectiva, se plantean respuestas que eliminen esta herencia literaria de nuestra identidad. El proyecto nace como un espacio donde parar, escuchar y reflexionar sobre quiénes somos y quiénes queremos ser.

El proyecto se compone por una conversación entre tres mujeres, transmitida a través de una llamada telefónica en un teléfono de rueda como crítica al avance tecnológico, y, finalmente, un fanzine que transcribe dicha conversación y reflexiona sobre la identidad de forma visual y analógica.

Carlos Nogales

Este proyecto se questiona qué hace que el libro sea único y por qué, a pesar del progreso tecnológico, no ha sido reemplazado. Su permanencia no depende únicamente de su función, sino también de la relación física, simbólica y sensorial que establece con los seres humanos. En una época marcada por internet y la inteligencia artificial, el libro se convierte en un objeto de refugio que invita a la pausa, la presencia y la atención. Su materialidad transforma la lectura en una experiencia corporal y ritual a través del gesto, el tacto, el ritmo, el peso y el olor. Organizado en cinco movimientos fotográficos, el proyecto visualiza el vínculo entre el cuerpo y el libro, así como las cualidades que hacen que siga estando presente en la actualidad.

Alberto Giménez Marco

Ecos de un Proceso es un proyecto editorial experimental que nace de una experiencia personal con el bloqueo creativo.

La propuesta se materializa en una colección de cinco publicaciones, cada una dedicada a una metodología diferente para afrontar ese momento de estancamiento mediante la experimentación, el juego y la creación analógica.

Cada libro posee un formato, una encuadernación y unos materiales propios, reforzando el significado de su contenido.

La colección se presenta en una caja-archivo concebida como un objeto editorial que reúne el recorrido completo e incorpora una plataforma web donde el usuario puede ampliar la experiencia mediante recursos descargables, referencias, contenidos audiovisuales y materiales complementarios. Todo el proyecto ha sido producido de forma completamente artesanal y analógica, reivindicando el valor del proceso, el trabajo manual y la experimentación como parte esencial de la práctica del diseño.

Almudena Escribano + Belén Bolós Muñoz

Echo es una red social sonora cuya característica principal es la eliminación de la imagen como elemento comunicativo principal. De modo que toma la voz, la escucha activa y la construcción de vínculos interpersonales como modelos de funcionamiento. Intentando reducir la presión estética, minimizar la comparación visual y priorizar el bienestar del usuario.

Àngel Paniagua Landete

Aquest projecte de Fi de Grau respon a la necessitat d’entendre els programes de telerealitat, quins són els seus mecanismes interns i com aquests es manifesten visualment i simbòlicament.

Els “realities” són un contingut que ha definit el paisatge mediàtic des de finals del segle XX fins a l’actualitat. Han estat canals per a la projecció cultural i espai d’abocament de l’imaginari col·lectiu. La recerca s’ha desenvolupat a partir d’un visionament crític de quaranta programes. El corpus de realities compren una sèrie d’emissions de diferents dècades, canals i temàtiques, tots emesos a Espanya en diferents cadenes. Aquest visionament ha anat acompanyat d’una investigació més teòrica acompanyada de l’obra de Gérard Imbert i Annette Hill. Dos autors que la seva obra ha ajudat a construir el relat d’aquest projecte i establir conceptes amb bases sòlides. El visionament d’aquest corpus i l’obra dels autors ha permès fer classificacions visuals i narratives, associacions simbòliques i entendre diferents elements, espais i objecte amb la seva funció simbòlica i una taxonomia de les emocions i personatges que configuren aquest univers mediàtic. La investigació realitzada conclou en una sèrie de publicacions que formen una constel·lació de metodologies d’anàlisi. La peça principal és una revista en format “regal”, inspirada en l’estètica de la premsa rosa. L’acompanyen un pòster, unes postals i un arxiu d’imatges. Cada peça mostra una forma diferent d’entendre la telerealitat: des de l’anàlisi estructurada fins a la intuïció visual, però sempre amb la voluntat no de jutjar moralment el gènere, sinó de disseccionar-lo com a artefacte cultural.

Anna Cazorla

Formar parte de una disciplina basada en comunicar no siempre implica tener voz dentro de ella. A pesar de la amplia presencia de mujeres en el ámbito del diseño gráfico, los espacios de mayor reconocimiento continúan estando ocupados mayoritariamente por hombres, evidenciando aún una persistente invisibilización de la figura de la diseñadora.

Desde una experiencia personal marcada por la falta de referentes femeninos y la dificultad de imaginar una proyección propia dentro del campo, el proyecto parte también de una sensación de invisibilidad y de una aspiración condicionada a ocupar un lugar secundario dentro del sistema.

Como respuesta, el proyecto desarrolla un sistema de comunicación que utiliza el merchandising como estrategia de infiltración en lo cotidiano. A través de la incorporación de mensajes en objetos de uso común y con una estética mainstream, se propone una circulación abierta de estos, siendo prestados, perdidos y/o apropiados, que permite su desplazamiento entre contextos y personas, ampliando su alcance más allá de un público especializado en diseño gráfico.

Las piezas funcionan como puntos de entrada que activan la curiosidad y conducen al descubrimiento de 5 diseñadoras concretas y sus aportaciones, facilitando la identificación y ampliando el imaginario de quién puede ocupar un lugar dentro del diseño.

Anna López del Mazo

Proyecto de dirección de arte donde se conmemora la obra del artista Antoni Tàpies, explorando distintos formatos fuera del ámbito pictórico-escultórico, con tal de expandirla a otros contextos. Se establece una colaboración entre Tàpies y el restaurante de alta cocina Mugaritz, a través del diseño de un menú degustación y la creación de la experiencia completa, trasladando el informalismo matérico a una propuesta gastronómica de alto nivel.
El proyecto pretende conmemorar la figura del artista y democratizar el arte a través de la gastronomía, transformando la obra en experiencia y creando nuevos lenguajes.

Carlos Nogales

Este proyecto se questiona qué hace que el libro sea único y por qué, a pesar del progreso tecnológico, no ha sido reemplazado. Su permanencia no depende únicamente de su función, sino también de la relación física, simbólica y sensorial que establece con los seres humanos. En una época marcada por internet y la inteligencia artificial, el libro se convierte en un objeto de refugio que invita a la pausa, la presencia y la atención. Su materialidad transforma la lectura en una experiencia corporal y ritual a través del gesto, el tacto, el ritmo, el peso y el olor. Organizado en cinco movimientos fotográficos, el proyecto visualiza el vínculo entre el cuerpo y el libro, así como las cualidades que hacen que siga estando presente en la actualidad.

Carlota Esteruelas

Una conversación sobre quiénes somos y el análisis de cómo la literatura nos ha construido en lo que significa ser personas. Un proyecto que se divide en tres fases; un diálogo, una llamada telefónica y, por último, una publicación.

A través de este diálogo, en el primer número del fanzine, se exploran las distintas fases de la vida de una mujer y se analiza cómo se inserta la culpa femenina como mecanismo de control. De forma colectiva, se plantean respuestas que eliminen esta herencia literaria de nuestra identidad. El proyecto nace como un espacio donde parar, escuchar y reflexionar sobre quiénes somos y quiénes queremos ser.

El proyecto se compone por una conversación entre tres mujeres, transmitida a través de una llamada telefónica en un teléfono de rueda como crítica al avance tecnológico, y, finalmente, un fanzine que transcribe dicha conversación y reflexiona sobre la identidad de forma visual y analógica.

Carlota Martínez Fontserè

404 Flora Not Found és un projecte de disseny crític i especulatiu que reflexiona sobre la desaparició progressiva de la natura i l’augment d’espècies vegetals amenaçades a Catalunya.
A través de la creació d’un catàleg fictici situat en un futur pròxim, l’any 2074, el projecte imagina un escenari en què la flora autòctona ha desaparegut completament i només es conserva en arxius i registres documentals.

Eva Febrero Lombarte

Formàter és una eina digital interactiva que permet crear composicions visuals úniques a partir de quatre patrons naturals: espirals, ramificacions, simetries i ondulacions. Aquests patrons es poden representar en dos modes: amb cercles, on l’element més bàsic pot representar tot el patró, o amb símbols, que aporten més variació i personalització. El projecte busca convertir-se en un espai d’experimentació obert a tothom on crear i descobrir infinites variacions.

L’origen d’aquest projecte es troba en l’observació d’aquests patrons/sistemes de creixement, presents a la natura en qualsevol forma i mida. Analitzant les característiques visuals de cadascun, el projecte reinterpreta els patrons mitjançant codi creatiu i els converteix en un punt de partida per generar múltiples resultats, demostrant així la seva universalitat.

El projecte queda recollit en dos vídeos (un per cada mode) acompanyats d’una publicació arxiu amb una selecció de les composicions generades.

Evelin Yu

Un projecte que examina com el llenguatge digital codificat fomenta el sentiment de pertinença, la protecció i la identitat dins de comunitats vulnerables, centrant-se en el argot financer utilitzat per la comunitat xinesa a Espanya.

Tot i que el sistema tributari espanyol es presenta com a neutral, diferents comunitats l’experimenten de maneres diverses. Les plataformes privades com WeChat i Telegram afavoreixen converses més obertes sobre afers financers, mentre que les plataformes públiques deriven en una major autocensura, en el desenvolupament d’estratègies lingüístiques més sofisticades o, en alguns casos, en l’elecció del silenci per part dels participants.

Aquestes troballes van donar origen a «Off the Record»: un alfabet codificat de 27 caràcters, una publicació de tesi que funciona alhora com a diccionari, catàleg tipogràfic, espècimen tipogràfic i experiència digital interactiva que treu a la llum un llenguatge financer que habitualment roman ocult.

Iris Palacios Perez

RES | SER és un llibre dividit en dues parts, el qual reflexiona sobre com mirem els objectes. Sovint els veiem només com a eines pràctiques, útils però sense valor personal. Tanmateix, molts guarden històries, records i vincles amb persones estimades, convertint-se en testimonis de moments i emocions que ens defineixen.

La primera part, RES, mostra la seva cara funcional i distant. La seva estètica reflecteix aquesta idea de mecanització i fredor, utilitzant diversos recursos que accentuen la sensació d’allunyament i rigidesa. En canvi, la segona part, SER, dona espai al valor emocional i a la relació que establim amb els objectes en el nostre dia a dia. En aquest cas, els recursos expressius s’enriqueixen: la paleta de colors s’amplia i el tractament visual es torna més proper, transmetent calidesa i humanitat.

Iryna Ushak

Entropic es un proyecto situado en la intersección entre la física y las artes visuales, cuyo objetivo es explorar nuevas estrategias de comunicación capaces de enriquecer conceptualmente el ámbito del diseño.En el centro de la investigación se encuentra la entropía, entendida como la tendencia natural del universo a pasar de un estado ordenado a otros más caóticos e impredecibles. El proyecto lo aplica a los sistemas visuales y al diseño gráfico. Su eje conceptual se centra en la relación entre el orden y el caos como dos estrategias creativas opuestas que, llevadas a sus extremos, desembocan respectivamente en la esterilidad emocional y en la incomunicabilidad.

El proyecto se desarrolla a partir de tres objetivos principales. El primero es investigar el desorden como una herramienta de creación, buscando generar nuevas formas a partir de la pérdida de control. El segundo es desafi ar los límites de la tipografía, observando hasta qué punto una letra puede deformarse antes de perder su función. Y el tercero es integrar la desviación como metodología, demostrando que la irregularidad es un recurso clave para el diseño contemporáneo.

La tipografía se convierte en el medio de formalización del proyecto, entendida como un ejemplo de sistema estructurado que se rige por sus propias reglas y cuyo valor reside principalmente en su funcionalidad. En este proyecto, la letra deja de ser un simple vehículo de transmisión de información para convertirse en protagonista y generadora de nuevos significados.

La transición es el concepto central del proyecto, donde el orden y el caos se entienden como los extremos de un proceso continuo y no como dos estados aislados. Otro concepto fundamental es la variedad: a mayor entropía, mayor es el número de estados posibles de la letra. A ello se suman la desviación, entendida como la exploración de confi guraciones alejadas de los modelos convencionales, y la aleatoriedad, derivada de la ausencia de un control directo sobre los procesos de transformación de la forma. Por ello, como método de formalización, se optó por desarrollar dos Generative Tools mediante Google Antigravity. Estas herramientas permitieron generar deformaciones formales múltiples y aleatorias.

El proyecto se despliega en dos ejes conceptuales: el ciclo entrópico [tiempo] y los campos de intervención [espacio], que corresponden a la Confi guración, la Dimensión y la Materia. Cada uno de estos campos se materializa en un alfabeto y se plantea como un principio fundamental para interpretar la estructura del universo.

El ciclo entrópico consiste en una progresión de la deformación dividida en cinco fases. Comienza con la Fase 0, que representa el estado neutro de la letra. En la Fase 1 aparecen las primeras
desviaciones, que en la Fase 2 se acumulan hasta convertirse en un caos progresivo en la Fase 3, que lleva al límite [Fase 4], el último punto en el que la letra todavía puede reconocerse gracias al contexto. Finalmente, la Fase 5, Homogeneidad, representa el estado de máxima entropía, en el que desaparecen el contraste y la reconocibilidad, dando paso a una nueva interpretación del orden. Este estado es idéntico para todas las letras de un mismo alfabeto. Este estado es idéntico para todas las letras dentro de cada alfabeto.

El primer alfabeto ataca la Confi guración. Se entiende como la lógica interna que mantiene unidos los elementos de la letra que está compuesta por pequeños puntos vectoriales, del mismo modo que todos los objetos materiales están formados por unidades más pequeñas, como los átomos. El segundo alfabeto es la Dimensión. Se elige este criterio porque rige la escala y la percepción espacial. La Fase 0 representa el estado habitual de la letra [la dimensión 2D de ancho y largo]. Cada fase posterior introduce una nueva dimensión hasta llegar a la dimensión 6D en la fase fi nal. Cabe destacar que se trata de una interpretación visual sin pretensión de rigor científico.

El último alfabeto explora la Materia, entendida como aquello físico y tangible. Se trata de un fotoalfabeto que constituye una desviación respecto a los dos alfabetos anteriores, desarrollados a partir de una representación gráfi ca plana y vectorial. Su proceso de creación adopta una metodología completamente distinta, basada en la generación de imágenes mediante MidJourney.

En su conjunto, el proyecto está formado por 3 alfabetos, 11 estados tipográficos y un total de 286 letras generadas.

Entropic investiga las desviaciones y el espacio de posibilidades que estas generan. En lugar de eliminarlas, propone integrarlas en un sistema donde puedan coexistir como parte de una misma realidad visual. Al mismo tiempo, plantea que el buen diseño surge del equilibrio entre el orden y el caos: una estructura capaz de evitar la esterilidad y preservar la vida, la emoción y el carácter, permitiendo el surgimiento de nuevas formas y significados.

Izan García

Aquest projecte neix de la necessitat de replantejar els sistemes gràfics utilitzats en festivals, caracteritzats per un ús intensiu de materials visuals de curta durada que es converteixen ràpidament en residus. L’objectiu principal és generar una gráfica a partir dels biomaterials com a
alternativa sostenible per desenvolupar suports visuals reactius i efímers.

La recerca es basa en un procés d’experimentació material amb diferents formulacions de bioplàstic per analitzar-ne les propietats físiques i visuals, com la flexibilitat, la transparència o el comportament amb pigments. A partir d’aquesta investigació, es desenvolupa un sistema gràfic,
utilitzant làmines de bioplàstic com a suport per a diferents aplicacions gràfiques.

La proposta planteja una nova manera d’entendre la producció gràfica per a esdeveniments culturals, integrant el comportament del material dins del llenguatge visual del projecte i proposant suports biodegradables que redueixen l’impacte ambiental de la comunicació efímera.

Joel Tió Buján

Per què sovint busquem allò que passa lluny de casa mentre desconeixem gran part del que tenim a tocar? Aquesta és la pregunta que dona origen a Quècardes, una publicació editorial híbrida, entre revista lifestyle i guia urbana, que neix amb la voluntat de replantejar la manera com es descobreixen i es viuen les ciutats mitjanes.

El projecte parteix de la detecció d’un desajust entre l’oferta real de la ciutat de Vic i la percepció que en té la ciutadania, especialment el públic jove. La recerca demostra que la problemàtica no rau en una manca d’activitat cultural, gastronòmica o comercial, sinó en la manera com aquesta es comunica i es fa visible. Davant d’aquest context, Quècardesproposa una alternativa als models institucionals tradicionals: explicar la ciutat des de la mirada de les persones que l’habiten.

Més que una guia convencional, la publicació es planteja com un exercici de curadoria editorial. Restaurants, comerços, espais culturals, fires, mercats, entrevistes i recorreguts urbans es combinen per construir un relat contemporani que convida a redescobrir Vic des de la proximitat, l’experiència i la identitat local. L’objectiu no és recopilar tota la informació possible, sinó seleccionar-la amb criteri per generar una experiència de lectura inspiradora i significativa.

El disseny gràfic esdevé l’eina principal de construcció d’aquest relat. Tant el sistema editorial com les decisions materials reforcen el concepte del projecte: una identitat visual pròpia, una direcció d’art coherent i una estructura editorial flexible conviuen amb una enquadernació artesanal amb cordill inspirada en la llonganissa de Vic i un embolcall de paper de carnisseria que connecta simbòlicament la publicació amb el territori. D’aquesta manera, el suport físic deixa de ser un simple contenidor d’informació per convertir-se en una part essencial de l’experiència.

Quècardes defensa que el disseny editorial pot anar més enllà de la funció informativa. Pot construir identitat, generar connexió emocional amb un territori i transformar la manera com les persones el perceben. Tot i estar arrelat a la ciutat de Vic, el projecte planteja un model editorial escalable, capaç d’adaptar-se a altres municipis mantenint la mateixa premissa: explicar cada territori des de dins, a través de les persones, els espais i les experiències que li donen sentit.

Kyla Henry

Descripción: Resurface explora cómo las formas instintivas en las que aprendemos durante la infancia, a través de la curiosidad, el juego, la intuición y la experimentación, son gradualmente reemplazadas por sistemas estandarizados que asumen que todos procesamos la información de la misma manera.
Combinando psicología cognitiva, neurociencia y teoría del diseño, el proyecto investiga cómo reconectar con estos primeros patrones cognitivos puede ayudarnos a desarrollar sistemas de aprendizaje mejores y personalizados, y cómo el diseño puede evolucionar en consecuencia.

El resultado es una herramienta editorial modular que utiliza ejercicios lúdicos, memoria, análisis y organización visual para ayudar a los usuarios a descubrir sus propias estructuras cognitivas y construir un sistema de aprendizaje basado en la intuición personal, en lugar de en métodos predefinidos.

Maria Vélez Sánchez

Hi ha qui entén llar com un espai físic, un lloc o una casa? D’altres l’entenen com la família o els amics? Però realment, quantes més coses podria arribar a ser?

Un cafè sense sabates, investiga el concepte de llar des d’una perspectiva intercultural i humana, a partir de 20 persones, de 10 països diferents, s’analitza com cadascú defineix i experimenta la llar. Mitjançant els sentits, especialment l’olfacte, es mostra que no només és un espai físic, sinó també un conjunt de relacions, records, emocions i sentiments, que ens fan falta quan no hi són.

Marica Rocca

Este proyecto crea un ecosistema visual que representa la paradoja que habita en el tatuaje. Algo visible y expuesto. Pero, al mismo tiempo, íntimo y personal.
Investiga cómo representar visualmente esta tensión. Cómo traducir lo invisible en forma visible.
El video captura ese momento liminal, el instante en que algo interior atraviesa la piel y se vuelve visible. Casi como un ritual, un momento de transformación.
El libro de artista hace que lo que ocurre en el tiempo se fije en materia. El papel es otra piel. La impresión es otra tinta.
El archivo cierra un círculo. Lo que comenzó como investigación externa pasa a formar parte de la misma colección. Lo comunitario y lo autobiográfico coexisten en el mismo objeto.
Cada elemento opera en un registro distinto. Juntos, responden a la misma pregunta.

Mario Hernández Hernández

Pulso és una revista editorial independent que proposa una reflexió crítica i visual sobre el desig, el cos i la norma. El projecte parteix de la idea que el desig no és una realitat natural ni espontània, sinó una construcció social travessada per imatges, discursos i codis que configuren la nostra manera de desitjar, de representar el cos i de construir la identitat.

Lluny d’il·lustrar una investigació prèvia, Pulso converteix el disseny editorial en un dispositiu de pensament. Assaig, fotografia, autoetnografia i escriptura poètica s’articulen en una experiència en què forma i contingut evolucionen conjuntament.
El primer número pren com a punt de partida la masculinitat, Grindr, el BDSM, el cruising i la contrasexualitat per explorar les tensions entre desig, identitat i norma. La seqüència editorial, la direcció d’art i el llenguatge visual construeixen un recorregut que evoluciona des de la contenció fins a la fragmentació, de manera que la mateixa experiència de lectura esdevé també un espai d’investigació.
Pulso entén la pràctica editorial com un espai on el disseny no comunica una investigació: la produeix.

Miriam González López

The Browns es una gala de premios ficticia que celebra aquello que la industria creativa suele esconder: el error. El briefing mal entendido, el archivo corrompido a las 23:58, la idea brillante de las tres de la madrugada que al día siguiente deja de tener sentido. Frente a la cultura del portfolio perfecto y el case study impecable, el proyecto reivindica el error como una parte inseparable del proceso creativo.
A través de una identidad visual disruptiva, un tono de comunicación provocador, una experiencia digital y un conjunto de aplicaciones físicas, The Browns construye un universo de marca que utiliza el humor, la ironía y la provocación para transformar la frustración en un lenguaje compartido.

Entre las aplicaciones del proyecto destaca el Emotional Support Object™: una pequeña cagada dorada diseñada para abrazar, estrujar o simplemente tener cerca cuando las cosas no salen como esperabas. Más que un objeto de merchandising, convierte el error en un símbolo tangible cargado de humor e ironía, trasladando el concepto de The Browns al plano físico y recordándonos que incluso las mejores ideas nacen de un proceso lleno de intentos, dudas y equivocaciones.

Más que una gala, The Browns propone una conversación sobre la creatividad, el fracaso y el aprendizaje. Una invitación a reconciliarnos con el error y recordar que, detrás de cualquier gran idea, siempre hubo una cagada que nadie contó.

Pamela González

Comprar flores es algo habitual. Las regalamos para demostrar cariño, celebrar un momento especial o simplemente porque nos gustan. A la hora de elegirlas solemos fijarnos en su aspecto, en los colores o en su significado, pero pocas veces pensamos en todo el proceso que hay detrás de ellas.

Muchas de las flores que encontramos en las floristerías no son de temporada o no se cultivan de forma local. Esto hace que tengan que importarse desde otros países, utilizando diferentes medios de transporte y grandes cantidades de agua, refrigeración y productos químicos para conservarlas. Como consecuencia, su impacto ambiental es mucho mayor de lo que imaginamos.

A partir de esta problemática surge Bloobio, una aplicación móvil que busca ayudar a las personas a tomar decisiones de compra más conscientes. Mediante el escaneo de una flor, la aplicación identifica la especie y muestra información útil antes de comprarla.

El usuario puede consultar si la flor está de temporada, si es de producción local, su nivel de sostenibilidad y si puede resultar tóxica para personas o mascotas. Además, cada dato va acompañado de una breve explicación para entender por qué esa flor es una opción más o menos sostenible.

Si la flor escaneada no es la alternativa más recomendable, Bloobio propone otras opciones con un menor impacto ambiental, facilitando una compra más responsable sin dejar de lado el valor estético de las flores.

La aplicación también ofrece información general sobre cada especie, como su origen, los colores en los que puede encontrarse o su significado. De esta forma, Bloobio pretende que el usuario no solo conozca mejor las flores que compra, sino que también sea más consciente del impacto que pueden tener sus decisiones.

Paula Pérez Noriega i Ainoa Castro Medina

La Chispa es un proyecto de diseño crítico que explora cómo la inmediatez, el consumismo y la hiperconectividad están transformando la forma en que la Generación Z vive las relaciones afectivas.
A partir de una investigación sociológica, el proyecto identifica diferentes comportamientos presentes en las relaciones actuales y los convierte en un arsenal de nueve petardos ficticios, inspirados en conceptos como ghosting, gaslighting, love bombing o breadcrumbing. La pirotecnia funciona como metáfora de vínculos intensos, fugaces y potencialmente dañinos.

De esta investigación surgen cuatro arquetipos relacionales: Fugaz, Táctico, Escéptico y Guardián, que representan distintas formas de relacionarse con el amor en la actualidad.
El proyecto se materializa en una instalación interactiva que simula un punto de venta de pirotecnia, donde el visitante puede descubrir su propio arquetipo mediante un test y recibir una caja personalizada.
Así, La Chispa utiliza el diseño, la ironía y la metáfora de la pirotecnia para reflexionar sobre cómo construimos y consumimos nuestros vínculos en la era de la hiperconexión.

Paula Perianes

Guia d’Atypography és un projecte que sorgeix de la investigació i apreciació del projecte Atypography, el qual és un moviment artístic contemporani creat per Svethe Graudi. Atypography busca descentralitzar l’atenció cap als textos, convertint-los en grafismes encriptats que qualsevol persona podrà desxifrar, ja que l’encriptació és gràcies a l’abstracció de la forma del caràcter.

Guia d’Atypography és un llibre en el qual es descriu el moviment Atypography des del punt de vista de la Paula Perianes, un cop estudiat els manuals i el contingut original, amb l’objectiu de descriure i explicar cada una de les 24 tipografies que formen el moviment d’una forma amena, mostrant una descomposició d’aquestes per poder-les llegir i comprendre.

Com a resum, busca apropar i difondre el meravellós projecte de Svethe Graudi, aportant una altra visió des de fora per a qualsevol persona interessada.

De la mateixa manera, el projecte està basat en el moviment contemporani del DIY «Do It Yourself» o «Fes-ho tu mateix», el qual podria ser una versió moderna del moviment punk, ja que la filosofia del projecte busca allunyar-se de lo comercial, donant les eines perquè qualsevol persona pugui imprimir el llibre i enquadernar-lo pel seu compte. De la mateixa en la qual les còpies que es van imprimir per al projecte estan fetes a mà per l’autora.

Roger Puentes Domene

Una proposta que explora la fusió entre la música clàssica i l’electrònica a través del contrast, el ritme i l’experimentació, connectant dues formes d’entendre la música que, tot i partir de contextos diferents, convergeixen en un mateix espai contemporani. Durant dos dies, la ciutat de Barcelona, es transforma en escenaris vius on la música clàssica i l’electrònica es mesclen com mai. Una celebració del contrast, el ritme d’una nova generació que no entén de gèneres, sinó d’experiències úniques.

Víctor Chaves Cerrejón

Bare es un Creative Environment System: un entorno único donde el creador visual reúne inspiración, proceso, portfolio y contacto profesional bajo una misma lógica. No es una red social, ni un portfolio, ni un directorio: es las tres cosas a la vez.

Responde a un problema estructural. El creador vive repartido, la inspiración en un sitio, el trabajo en otro, los contactos en un tercero y esa dispersión no es un fallo del ecosistema, es su arquitectura. El coste no es tiempo: es una identidad profesional que nunca se lee entera.

Dentro conviven cuatro habitantes. El creador es el centro: entra por revisión editorial y construye ahí su identidad completa. Los estudios y las marcas buscan y son buscados, encuentran talento y sostienen su propia presencia corporativa. Las comunidades agrupan colectivos, escuelas y equipos en un espacio propio. Los seekers llegan desde fuera del sector: para ellos Bare es el eje de búsqueda de creativos, un lugar donde encontrar a la persona adecuada sin navegar la jerga ni el ruido de la industria.

El sistema se ordena en cinco capas. Inspiration, búsqueda de referencia de alta calidad, siempre ligada a su autor, curada tanto en el acceso como en el filtrado. Process, notas de trabajo en curso, bocetos, decisiones, pruebas descartadas, que dejan constancia del recorrido sin convertirlo en contenido de consumo. Portfolio, cada proyecto a pantalla completa, con URL propia y el espacio que necesite. Find Talent,
búsqueda precisa por disciplina, técnica y lenguaje visual sobre un directorio verificado. Briefs, el contacto profesional cuando esa búsqueda encuentra a quien buscaba.

El acceso no es libre: cada creador envía un proyecto y un equipo humano lo revisa. Sin métricas públicas, sin algoritmo de engagement, sin presión de frecuencia. La IA no recomienda: clasifica, para que buscar sea preciso.

Un creador busca una referencia y encuentra a quien la hizo. Un estudio busca una técnica y encuentra a quien la domina. Alguien de fuera del sector busca sin saber qué palabras usar y llega igualmente. Todo el sistema existe para que esas tres cosas ocurran sin fricción.